Recentemente, a marca Mascavo foi criticada por ignorar peles escuras – um erro que outras marcas também vivem repetindo. Até quando o mercado vai ignorar essa necessidade?
A inclusão na maquiagem já deveria ser algo básico, mas, para muitas marcas, ainda está longe de ser uma realidade. Recentemente a Mascavo, uma marca nacional de cosméticos, se meteu numa baita polêmica ao lançar uma linha de produtos (bronzer, blush e contorno) com pouquíssimos tons para peles mais escuras. Mesmo falando que corretivos e bases para peles mais escuras serão lançadas mais pra frente, a resposta foi imediata e negativa, reacendendo aquele debate: por que a indústria da beleza continua sendo tão limitada quando o assunto é diversidade? A Mascavo não está sozinha – muitas outras marcas já passaram pelo mesmo problema, e a pergunta que fica é: até quando essa exclusão vai continuar?
Por que a inclusão na maquiagem importa TANTO?
Maquiagem não é só um produto de consumo – para muita gente, é uma ferramenta poderosa de autoestima, expressão e pertencimento. Ela permite que as pessoas se sintam bem e confortáveis na própria pele. Então, quando uma marca não oferece uma paleta ampla de tons, ela manda uma mensagem clara: certas belezas são menos importantes. Em vez de abraçar a diversidade dos consumidores, elas reforçam aquela velha ideia de que só algumas peles merecem atenção.
Quando a Fenty Beauty chegou em 2017 com 40 tons de base, foi um divisor de águas. Rihanna mostrou que dá pra fazer produtos inclusivos e, ao mesmo tempo, ganhar dinheiro com isso. A linha foi um sucesso estrondoso e virou referência, mostrando que as pessoas querem – e esperam – paletas completas, acessíveis e inclusivas. Desde então, o público ficou mais exigente e não aceita menos do que um verdadeiro compromisso com a diversidade.
A importância de investir em tons diversos se a sua intenção é entrar para o mercado global
Para marcas que desejam crescer em âmbito mundial, investir em uma gama de tons que abranja todas as peles é mais que uma estratégia, é uma necessidade. Um exemplo notável é a Tirtir, uma marca sul-coreana que ampliou suas opções de tons em bases cushion, incluindo tonalidades mais escuras para atender ao público internacional. Isso é particularmente significativo, pois a Coreia do Sul tem uma população majoritariamente amarela (96%), e, portanto, a marca não tinha essa obrigação. Ainda assim, ao entender a importância de se adaptar ao público global, a Tirtir mostrou compromisso com a diversidade.
Agora, é difícil entender por que marcas brasileiras, como a Mascavo, ainda não abraçaram essa realidade. Em um país onde 56% da população é negra, a oferta de uma gama diversificada deveria ser um requisito básico, não uma exceção. Marcas que ignoram esse aspecto acabam reforçando barreiras culturais e se distanciando de um público que busca representatividade e inclusão em produtos que deveriam ser acessíveis a todos.
Bronzer da Mascavo em pele negra 🤎🤨 eu já sabia que como BRONZER ele não funcionaria na minha pele, mas com o video da #marisaad falando que em “fototipos mais escuros” traria uma cintilância resolvi testar com vocês. O que acharam? #mascavo#pelenegra#iamirella
Infelizmente, o caso da Mascavo não é novidade. Em 2017, a Tarte Cosmetics lançou sua base Shape Tape com uma gama tão limitada de tons que praticamente ignorava as peles negras. O público reagiu com indignação, e isso abriu uma conversa sobre colorismo e falta de sensibilidade racial no mercado da beleza. A Tarte até tentou se redimir lançando mais tons depois, mas o dano já estava feito – e ficou aquele gosto amargo de que a marca só acordou porque foi pressionada.
Outro exemplo foi a Beauty Blender, famosa pelas esponjinhas de maquiagem, que entrou no mercado de bases em 2018. O problema? A paleta de cores deixou muito a desejar, especialmente para tons escuros. A reação negativa foi imediata, e o público se decepcionou ao ver que uma marca tão popular não se preocupou em ser realmente inclusiva desde o início.
Esses casos mostram que o problema não é só um erro isolado aqui e ali, mas um padrão de exclusão. .
Por que essas falhas continuam acontecendo?
Essas escorregadas vão além da falta de planejamento. Na raiz do problema, está a ausência de diversidade dentro das próprias equipes que criam os produtos. Se a criação é feita apenas por pessoas que não vivenciam a experiência de uma pele mais escura, fica difícil o produto final ser inclusivo. E, sem essa representatividade nas decisões, as marcas continuam ignorando as nuances e necessidades de uma boa parte do público.
Outro ponto é o foco exagerado no lucro. Muitas empresas preferem cortar custos a investir numa paleta completa de cores e , ao fazerem isso, mostram falta de visão: num mercado cada vez mais consciente, essas marcas perdem relevância e, eventualmente, espaço para concorrentes que realmente se preocupam com todos os seus consumidores.
Karen Bachini, uma influencer que está há anos no mercado da beleza e que recentemente lançou sua marca de maquiagem com uma cartela ampla de bases, publicou uma carta aberta à Mascavo:
Vale lembrar que Bianca Andrade (Boca Rosa) também lançou 50 tons de bases!
O que os consumidores esperam (e exigem) hoje?
O consumidor de hoje não é mais passivo. Ele quer campanhas que realmente celebrem a diversidade e produtos que atendam a todos os tons de pele. Não basta responder com uma “linha mais completa” depois de uma crise; as pessoas percebem quando uma marca só está reagindo para evitar problemas, em vez de se comprometer de verdade com a inclusão.
Marcas que querem se manter relevantes precisam entender que a inclusão deve estar presente desde o desenvolvimento do produto até as campanhas de marketing. Isso também envolve escutar diferentes perspectivas e necessidades, trazendo diversidade em todas as etapas.
A exclusão de um grupo de consumidores não cabe mais na indústria de hoje. A maquiagem, enquanto expressão de beleza e individualidade, precisa ser acessível e inclusiva para todos. E as marcas que ainda não entenderam isso estão prestes a ficar para trás num mercado onde autenticidade, ética e representatividade são essenciais.
Assim, a pergunta que fica é: até quando a inclusão vai ser vista como um extra? Porque, enquanto essa resposta não vier, são os consumidores que vão ditar as novas regras – escolhendo marcas que realmente celebrem a beleza em todas as suas formas e tons.
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Descubra como a quadrinista mineira une sua vivência pessoal e herança cultural em obras que tocam o coração e desafiam as convenções artísticas
Já parou para admirar uma ilustração e se deixou levar pela emoção que vem do peso cultural e da atenção aos detalhes? Um ótimo exemplo disso é a Ing Lee e suas obras impressionantes.
Formada em Artes Visuais pela UFMG, Ing Lee é uma artista plástica, ilustradora e quadrinista mineira surda oralizada que vem ganhando destaque no cenário indie dos quadrinhos brasileiros desde 2018. O que mais me encanta em seu trabalho é como ela brinca com contrastes e justaposições de cores, transformando cada página em um convite irresistível para os leitores. Sua sensibilidade ao explorar temas como memória e identidade, especialmente no contexto do Leste Asiático, faz de cada quadrinho uma experiência emocional única.
Nascida de ascendência norte-coreana e sem uma comunidade para se conectar plenamente, Ing está em uma jornada de resgate de suas raízes e da rica história político-cultural das Coreias. Suas criações falam sobre memórias e identidades, trazendo referências que vão desde as artes de propaganda até o cinema coreano. No ano passado, ela lançou histórias em quadrinhos sobre os 60 anos da imigração coreana no Brasil e João Pé-de-Feijão, uma obra que retrata sua relação com o irmão caçula autista.
Foto: divulgação/acervo pessoal
Em entrevista ao Entretetizei, a artista incrível contou um pouco mais sobre seu processo criativo e suas fontes de inspiração. Confira:
Entretetizei: Quando você percebeu que queria seguir carreira nas artes visuais? Como foi o começo no cenário indie dos quadrinhos?
Ing Lee: Foi de última hora, após fazer um ano de cursinho cogitando prestar para Medicina. Ao final do cursinho, gostei tanto da didática dos professores que achei que seria uma boa ideia tentar uma licenciatura e, no caso, tentei Artes Visuais em algumas faculdades de Belo Horizonte. Acabei passando, mas não fui pra licenciatura porque lá percebi que não gostava muito das matérias (hehe). Entrei em 2014 no curso de Artes Visuais da UFMG e fiz a habilitação em Desenho.
Em 2016, comecei a participar de feiras gráficas da minha cidade (BH) puramente por curiosidade e vontade de publicar uma zine em risografia, e fui bastante surpreendida. Gostei muito e passei a me inscrever para diversas feiras em outras cidades, principalmente em São Paulo, onde eu também acabei fazendo diversas amizades por conta dos grupos de militância asiático-brasileira que estavam começando a fervilhar nessa mesma época. Co-fundei o Selo Pólvora em 2018, coletivo asiático-brasileiro feminista que contava com membros mulheres e pessoas não-binárias de diversas ascendências asiáticas, desde coreana, chinesa, japonesa a sírio-libanesa.
Neste mesmo ano, participei de uma residência artística bem breve, chamada Laboratório de Quadrinhos Potenciais, organizada pelo FIQ, em Belo Horizonte, junto de outros artistas locais.
Acredito que ter participado deste programa me deu um impulso muito grande para começar a criar HQs e desde então não parei. Cheguei a fazer publicações coletivas e a minha primeira obra de HQ solo foi publicada pela revista Piauí, em novembro de 2019.
E: Como sua vivência como surda oralizada influencia suas escolhas artísticas e a forma como você conta histórias e transmite emoções nas suas obras?
I: Hmm, não sei dizer direito isso. Mas tenho uma grande preocupação com a questão de acessibilidade e inclusão nesse meio, então acredito que se canaliza mais pela forma como tento transmitir meu conhecimento adquirido e formar novos profissionais na área através de meus cursos, workshops e palestras.
E: Como as culturas brasileira e coreana se misturam na sua arte?
I: A parte coreana, pra mim, por muito tempo se definia pela falta. Fui criada longe de minha comunidade e raízes, e isso me deixava sempre em conflito, de modo que eu tentava buscar entender melhor minha ancestralidade procurando mais referências coreanas, seja na arte ou de forma mais geral, em outras expressões culturais como cinema e também entender sua história, sociedade, etc. Isso me trouxe a diversos coletivos asiático-brasileiros, com os quais tive trocas incríveis e enriquecedoras, e me influenciou bastante a querer continuar produzindo coisas em prol de minha comunidade — seja enquanto representação ou resgate histórico mesmo, como fiz em meu trabalho de webtiras sobre a imigração coreana no Brasil.
E: Quem são suas maiores influências? Autores, artistas, filmes, estilos… o que molda seu trabalho?
I: De artistas, Taiyo Matsumoto, Keum Suk Gendry-Kim, Asano Inio, Manshen Lo, Deb Lee, Nam June Paik, Ai Yazawa, Rutu Modan, Alison Bechdel, Hiroshi Nagai, Jee Ook, Seung Eun Kim, Yi Yang, Atsuko Nishida, Moto Hagio, Kyoko Okazaki.
De filmes, Satoshi Kon, Bong Joon-ho, Takeshi Kitano, Edward Yang, Celine Song e Sylvia Chang.
De livros, Amiga Genial, de Elena Ferrante, Coelho Maldito, de Bora Chung, Aos Prantos no Mercado, de Michelle Zauner, e Peito e Ovos, de Mieko Kawakami.
E: Você considera sua arte uma forma de ativismo? Como suas criações abordam questões de identidade, memória e resistência?
I: Acredito que sim, mas não se resume somente a isso. Minha arte reflete obviamente meus pontos de vista políticos e busco transformação por meio dela, mas também acredito que é um meio de expressão e experimentação também. Meu trabalho autoral se conecta muito com meu resgate à minha própria ancestralidade, porém não se limita a isso. Desejo abordar diversos temas que me interessem em momentos distintos.
E: Como é o processo de criar uma capa de livro, desde o briefing inicial até a versão final?
I: Geralmente sou um dos últimos passos na cadeia do livro, pois o livro já se encontra praticamente pronto, traduzido e em processo de revisão, e é nesse ponto que entro como capista. O briefing acompanha um resumo do livro e até mesmo caminhos possíveis de como retratá-lo, mas, sempre que possível, busco também fazer minha leitura do título a ser ilustrado para tirar minhas próprias conclusões. Então envolve bastante leitura, estudos e testes para poder chegar no resultado final, sempre em diálogo com a direção de arte ou os editores envolvidos no projeto.
Foto: divulgação/acervo pessoal
E: Como as diferentes formas de arte que você explora (ilustração, colagem, cerâmica, quadrinhos) se conectam e enriquecem seu processo criativo?
I: Acredito que cada linguagem representa momentos distintos de vida e, por mais que algumas eu nem faça mais (como a colagem), ainda são coisas que continuam presentes em meu repertório e na forma que interpreto as coisas. O pensamento da colagem transcende sua técnica e me confere um raciocínio de conectar diferentes pontos, abordagens e referências em meu trabalho. E isso acaba por enriquecer a minha produção, porque sempre vejo formas de transformar e traduzir diferentes técnicas para outra coisa nova.
Acho que considero a pesquisa algo mais importante que a técnica utilizada em si, e vejo isso como algo bastante consistente e me confere um maior amadurecimento sobre a forma como vejo as coisas.
E: O que mudou na sua visão artística depois da residência no programa Bolsa Pampulha, onde você pesquisou cerâmicas coreanas?
I: Creio que me fez pensar bastante sobre como lidar com a lentidão que a cerâmica confere em seu processo, diferente da instantaneidade do desenho digital. Para além disso, pude descobrir diversos aspectos da própria história da Coreia e conectar isso a outras produções, pois a cerâmica Celadon representa todo um período no qual ela se fez mais presente.
E: Como é o seu dia a dia de trabalho? Você segue uma rotina ou prefere deixar fluir mais livremente?
Enquanto freelancer que trabalha full-time com trabalhos de ilustração e congêneres, costuma depender da demanda da semana. Gosto de me planejar semanalmente e não só por dia, e daí vai depender de variáveis como prazo, etapa de produção e afins. A área de criação é muito mais organizada e rotineira do que parece, a ponto de eu até saber identificar quando parar de produzir num dia porque percebo que cheguei num ponto de estagnação, onde fico tão bitolada e saturada com um trabalho, que preciso de um respiro — que pode ser simplesmente uma boa noite de sono e acordar com a cabeça mais leve no dia seguinte. Isso vale tanto para ilustrações quanto quadrinhos, tudo demanda planejamento e organização para surgir, porque se eu depender de apenas deixar as coisas fluírem naturalmente vou acabar procrastinando e perdendo o foco.
Sei quais períodos sou mais produtiva, geralmente à tarde, então costumo deixar as manhãs para começar o dia de forma mais lenta e fazer coisas de casa ou me exercitar, responder e-mails…. Daí vou seguindo até o começo da noite e descanso. Já fui de virar noites, porém, no fim, mais me desgastava do que ajudava. Então me impor horários mais comerciais também me confere não só uma rotina mais saudável como também uma postura de seriedade com meus clientes.
E: Qual foi a inspiração para criar Ao meu eu criança? O que você queria passar com essa história?
I: Ao Meu Eu Criança é uma história que se passa em dois tempos, os personagens crianças e depois já adultos, e o que conecta estes dois períodos tão distintos é a nostalgia, com máquinas de venda que tinham bonecos de Pokémon (geralmente falsificados). É uma HQ curtinha, onde foquei mais nessa experimentação gráfica do formato de zine impresso em risografia e me propus a desenhar com a mão esquerda em algumas partes, para resgatar esse desenho mais infantil, dado que sou destra.
Meu objetivo era uma ode nostálgica que se conecta não somente com a minha infância como também com a de muitas outras pessoas que viveram os anos 90 e 2000 enquanto crianças.
E: João Pé-de-feijão revela muito sobre seu relacionamento com seu irmão caçula autista. Como foi transformar essa experiência pessoal em quadrinhos?
I: Foi algo sempre muito incentivado pela minha mãe. Ela quem me deu a ideia de fazer uma HQ em torno da história do meu irmão caçula, João, havia um bom tempo, mas decidi começar quando percebi que havia chegado a hora de me mudar para São Paulo e deixar minha família, que mora em Belo Horizonte. Então essa série surgiu justamente de um desejo de me despedir dessa proximidade cotidiana que eu não teria mais com meu irmãozinho após a mudança, como uma forma de homenagem às memórias que construímos juntos.
E: Que dica você daria para artistas que estão começando, especialmente no cenário independente?
I: Eu diria que trabalhar com arte pode ser uma jornada solitária e difícil, então sempre que possível, busquem formas de trazer outras pessoas e até mesmo fazer parte de coletivos, pois creio que não devemos nos fechar numa bolha no nosso próprio mundinho e a arte não surge do vácuo, mas sim é um fruto de um indivíduo que convive em sociedade. Por meio das trocas e alianças, podemos fortalecer muito o nosso trabalho e fazer com que ele se comunique mais com as pessoas.
E: Você tem sido muito comentada por ilustrar capas de livros como Amêndoas, que até ganhou um cenário especial na Bienal de 2024. Como tem sido essa experiência de ver seu trabalho ganhando tanta visibilidade?
I: Tem sido realmente muito gratificante me dar conta do meu crescimento profissional nesses últimos tempos e sempre acredito que o sucesso é algo que deve ser partilhado. Então, sempre que possível, espero trazer esperança e abrir portas para outras pessoas como eu e de outros grupos minoritários neste mercado, que, infelizmente, segue sendo tão excludente e de difícil inserção.
E: De todas as capas que você já ilustrou, qual é a sua preferida? E qual livro adoraria ilustrar no futuro?
Puxa, tem tantas… é que são livros sempre tão diferentes uns dos outros e cada um representa algo diferente pra mim, sabe? Mas se fosse escolher somente uma, eu diria que Aos Prantos no Mercado segue sendo minha favorita não somente por ser um dos meus livros favoritos, como também foi um dos primeiros livros que ilustrei a capa e sinto que eles marcaram muito a minha carreira.
Adoraria ilustrar algum livro da Elena Ferrante um dia, principalmente a tetralogia napolitana, da Han Kang e, caso algum dia venha ao Brasil, At the End of the Matinee de Keiichiro Hirano.
E: O que vem por aí? Pode dar uma pista dos próximos projetos?
I: Irei lançar o quadrinho João Pé-de-Feijão no ano que vem pela VR Editora, o meu primeiro livro com uma editora!!!
E: Tem algum tema ou história que você ainda não explorou, mas gostaria muito de abordar?
I: Enquanto quadrinista, gostaria muito de fazer algum projeto de apocalipse zumbi e terror psicológico. O segundo, inclusive, é outro projeto que tenho na manga e ainda preciso começar a roteirizar, mas já consegui uma parceria para a escrita e esperamos começar ainda este ano.
E: Você acabou de ganhar o prêmio Jovens Talentos na Bienal do Livro 2024. Como foi isso? O que esperar da sua ida à feira de Frankfurt?
Fiquei incrédula na hora que o prêmio foi anunciado, tanto que nem preparei discurso nenhum… mas considero uma grande vitória não somente para mim, como também para a classe dos trabalhadores criativos do mercado editorial. Em tempos tão estranhos onde esse tipo de trabalho anda sendo precarizado e substituído pela antiética inteligência artificial, como apontei em meu pitching defendendo minha candidatura entre os finalistas do prêmio para o júri. Espero que cada vez mais capistas ganhem espaço e sejam devidamente valorizados.
Com o prêmio, ganhei uma ida à Feira do Livro de Frankfurt, na Alemanha, que foi uma viagem incrível! Ainda estou digerindo tudo o que aconteceu nesse período, mas posso dizer que sinto que voltei outra pessoa. Tive trocas maravilhosas e conheci muitas pessoas incríveis do mercado que, embora tenham atuações e backgrounds tão diferentes do meu, ainda nos conectamos muito e espero seguir alimentando aqui esses laços que conquistei por lá.
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A artista e atriz sul-coreana esteve em São Paulo para abrir sua exposição Maravilhosa Graça em Todo o Globo
Em cartaz no Centro Cultural Coreano no Brasil (CCCB) desde o dia 13 de outubro, a exposição Maravilhosa Graça em Todo o Globo, da artista sul-coreana Jung Eun Hye, tem encantado o público com 70 caricaturas que vão de retratos intensos a homenagens a ícones brasileiros como Fernanda Montenegro, Caetano Veloso, Seu Jorge, Anitta, o chef Alex Atala e o grafiteiro Eduardo Kobra. Jung Eun Hye, que começou a se dedicar à pintura em 2016, é uma artista premiada com um olhar muito particular.
Foto: divulgação/KCCB
Em uma entrevista exclusiva ao Entretetizei, a artista contou um pouco sobre sua trajetória no mundo da arte e sua atuação no K-drama Amor e Outros Dramas (2022), disponível na Netflix, que também a tornou conhecida fora da Ásia. Confira:
Entretetizei: Algumas de suas caricaturas retratam celebridades brasileiras. Qual foi a motivação para desenhar essas figuras e qual mensagem você gostaria de transmitir através de suas obras?
Jung Eun Hye: Antes de vir ao Brasil, eu não tinha nenhuma informação sobre as celebridades brasileiras. Por isso, selecionei algumas figuras através das recomendações do Centro Cultural Coreano.
Desenho literalmente o que vejo e quero mostrar, através dos meus olhos, a singularidade e a beleza que cada uma dessas celebridades brasileiras possui.
E: Sua atuação em Amor e Outros Dramas foi um grande sucesso. Qual foi o significado dessa experiência para você e de que maneira interpretar um personagem querido pelo público te influenciou?
J: Após o drama, muitas pessoas começaram a me reconhecer e a elogiar tanto minha atuação quanto meus desenhos. Sentir esse carinho foi gratificante e me deixou orgulhosa do meu trabalho.
Antes do drama, eu me preocupava bastante com os olhares estranhos das pessoas ao caminhar pela rua, almoçar em restaurantes ou usar transporte público. Agora, em qualquer lugar que vou, sou reconhecida, e as pessoas pedem para tirar fotos e me cumprimentam calorosamente. Muitas têm comparecido às minhas exposições para ver minhas obras, e algumas até têm encomendado desenhos.
Por isso, estou me dedicando ainda mais como artista. A fama traz algumas complicações (rs), mas, no geral, estou muito feliz com a situação.
E: Qual foi o maior desafio que você enfrentou em sua jornada artística e como conseguiu superá-lo?
J: Eu costumava capturar momentos em que encontrava pessoas para desenhar caricaturas, mas durante a pandemia, não pude me encontrar com ninguém, e esse foi o período mais difícil para mim. Sem a interação com as pessoas, comecei a regredir, assim como antes. Comecei a gaguejar, ranger os dentes e murmurar sozinha, enfrentando alucinações e vozes.
Nesse momento, meus pais e eu refletidos sobre como poderíamos nos reconectar, e decidimos tentar a comunicação por videochamada com pessoas ao redor do mundo. Foi assim que conheci o diretor artístico brasileiro Cleber Papa. Graças a essa conexão, fui convidada pelo Centro Cultural Coreano no Brasil a vir para o Brasil.
E: A arte é uma forma de expressar emoções e ideias para muitas pessoas. Quais emoções você espera que o público sinta ao apreciar suas caricaturas e retratos?
J: Comecei a desenhar caricaturas no Munhori River Market em 2016 e, desde então, já retratei 5 mil pessoas. Lembro de cada olhar caloroso que recebi delas. Aqueles olhares cheios de carinho, especialmente quando me pediam: “Desenhe-me bonito”, foram essenciais para me ajudar a superar minha ansiedade em relação aos olhares alheios e a crescer como artista. Acredito que todos esses 5 mil rostos são únicos, adoráveis e belos, e me dediquei a cada um deles com muito empenho. Na verdade, não existe um “rosto feio” no mundo.
E: Durante a exposição, você conduziu workshops. Quais sentimentos você vivenciou nos encontros com os participantes?
J: Foi uma experiência incrível! Ver pessoas tão diversas, com rostos e cores diferentes, se reunindo para desenhar juntas foi extremamente gratificante. Fiquei muito grata a todos os participantes que vieram me encontrar no Brasil. Foi surpreendente apreciar as obras únicas de cada um. Espero que, no futuro, haja mais oportunidades para que artistas coreanos e locais se conectem por meio da arte no Centro Cultural.
E: Muitas pessoas com deficiência podem hesitar em ingressar no mundo da arte devido aos preconceitos e barreiras que ainda persistem. Qual mensagem você gostaria de transmitir a essas pessoas, especialmente àquelas que desejam se expressar artisticamente?
J: Não tenham medo, apenas façam. Com o tempo, vocês ganharão confiança e melhorarão suas habilidades. Não se preocupem em ser perfeitos; simplesmente divirtam-se!
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Essas histórias são tão assustadoras que superam qualquer filme de terror
Quando chega o Halloween, muita gente quer assistir filmes de terror, mas já conhece clássicos asiáticos como O Chamado (1998) e O Grito (2004). Só que o que pouca gente sabe é que a Ásia tem várias lendas e contos bem mais sinistros, que quase ninguém ouve falar. E se você acha que essas histórias são menos assustadoras, se prepare!
Separamos 5 contos de terror asiáticos pouco conhecidos que vão te deixar sem dormir. Confira:
Ubume – Japão
A lenda da Ubume é assustadora de um jeito triste. Ela é o espírito de uma mulher que morreu durante o parto ou logo depois de ter seu bebê. À noite, ela aparece vagando, sempre com o bebê nos braços, pedindo para alguém segurar a criança. Mas quem aceita acaba descobrindo que o bebê fica cada vez mais pesado até esmagar a pessoa! A Ubume não está só em busca de ajuda – o que ela quer é vingança, e sua dor a transforma em um espírito perigoso.
Foto: reprodução/amino
O que torna essa história ainda mais assustadora é que ela lida com emoções muito profundas, como o desespero e o luto. A Ubume simboliza a dor de uma mãe que perdeu tudo, e agora sua alma cheia de tristeza busca qualquer um para punir. Dá pra imaginar o medo de encontrar uma figura dessas andando pela noite, com uma aparência calma, mas uma intenção mortal.
The Krasue – Tailândia
A Krasue é um dos espíritos mais bizarros e aterrorizantes do folclore tailandês, mas muita gente nem conhece essa história. Durante o dia, a Krasue vive como uma mulher normal, mas quando anoitece, sua cabeça se separa do corpo e flutua por aí com os órgãos internos pendurados, procurando sangue e vísceras para se alimentar. É uma imagem de arrepiar, e ainda mais assustadora quando você descobre que ela prefere atacar mulheres grávidas.
Foto: reprodução/amino
A Krasue é o tipo de espírito que te faz pensar duas vezes antes de sair à noite. Ela se move em silêncio, e muita gente no interior da Tailândia acredita que espinhos ao redor da casa podem mantê-la longe. Mesmo que pareça uma lenda distante, imaginar essa cabeça flutuante passando pela sua janela é algo que com certeza vai mexer com o seu sono.
Noppera-bō – Japão
O Noppera-bō não é um espírito violento, mas é um dos mais perturbadores. Ele parece uma pessoa normal até que, de repente, seu rosto simplesmente desaparece, ficando totalmente liso, sem olhos, boca ou nariz. Você pode estar falando com alguém, e quando menos espera, o rosto da pessoa some! Apesar de não machucar suas vítimas, o terror psicológico que o Noppera-bō provoca é o que realmente deixa marcas.
Foto: reprodução/amino
Esse tipo de encontro é tão perturbador porque brinca com a nossa percepção de realidade. Imagine estar em um lugar deserto e, de repente, a pessoa ao seu lado se transforma em uma figura sem rosto. É um medo silencioso, mas que pode te perseguir por muito tempo depois.
Phi Tai Hong – Tailândia
Na Tailândia, o espírito Phi Tai Hong é temido por causa de sua sede de vingança. Ele surge quando alguém morre de forma violenta ou trágica, como em assassinatos ou acidentes. Sem ter como descansar em paz, o espírito fica preso no lugar onde morreu e começa a assombrar os vivos. As pessoas acreditam que o Phi Tai Hong pode trazer azar e até causar mortes de quem cruza seu caminho.
Foto: reprodução/thailand insider
Essa lenda é tão forte que existem rituais específicos para acalmar esses espíritos. Afinal, ninguém quer atrair a ira de um Phi Tai Hong. A simples ideia de um espírito furioso, que se alimenta de má sorte e está sempre pronto para atacar, já faz qualquer um pensar duas vezes antes de passar por lugares conhecidos por tragédias.
Jiangshi – China
O Jiangshi é como um vampiro no folclore chinês, mas ele se move de um jeito diferente: pulando! Ele é um cadáver reanimado que suga a energia vital das pessoas, em vez de sangue. O jeito esquisito de se movimentar – pulando com os braços esticados – pode até parecer engraçado à primeira vista, mas quando você percebe que ele não para até pegar sua vítima, o medo toma conta.
Foto: reprodução/mayoot
Na cultura chinesa, existem formas de se proteger do Jiangshi, como espalhar grãos de arroz ao redor do caixão ou usar espelhos. Mas o que realmente assusta é a persistência desse espírito. Quem cruza seu caminho dificilmente escapa, e a lenda diz que, uma vez que ele te segue, ele não para até te pegar. Imagine estar sendo perseguido por algo que nem a morte conseguiu parar!
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As narrativas criadas pelos fãs às vezes ultrapassam o limite da fantasia e impactam diretamente na vida dos idols
A cultura do shipp se tornou um dos pilares da fanbase de K-pop. Para quem não está familiarizado, shippar é quando fãs torcem por um relacionamento — romântico ou não — entre duas pessoas, sejam elas personagens fictícios, artistas ou até completos desconhecidos. No K-pop, essa prática ganhou proporções gigantescas, envolvendo idols e alimentando discussões que vão do amor inocente ao limite da privacidade.
Mas até que ponto essa cultura é aceitável?
O que é shippar, no fim das contas?
No começo, o ato de shippar era só uma brincadeira entre os fandoms, uma coisa leve e descontraída. Uma troca de olhares num programa de TV, uma interação fofa nos bastidores, e pronto, virava motivo para os fãs criarem histórias imaginárias sobre os idols. Em teoria, isso não prejudicava ninguém.
Só que no K-pop, onde a relação entre ídolos e fãs é muito próxima, o que começou como brincadeira inofensiva passou dos limites rápido. Muita gente acredita que as próprias empresas de entretenimento incentivam esses shippers moments como estratégia de marketing, criando quase um dorama entre os membros dos grupos pra manter os fãs engajados. Mas o problema aparece quando os shippers começam a levar isso a sério demais.
Shipps polêmicos e fanwars
Se tem uma coisa que dá polêmica no K-pop, são os shipps. Um dos maiores exemplos acontece no BTS, com os famosos Taekook (Jungkook e V – Taehyung) e Jikook (Jimin e Jungkook). Esses shipps geram discussões há anos e viram verdadeiras guerras nas redes sociais. A rivalidade entre os fãs que defendem esses casais imaginários — ou que são contra eles — já resultou em várias fanwars (guerra de fãs) e até ataques pessoais, tanto entre os fãs quanto direcionados aos próprios idols.
Para alguns, shippar os amigos é só uma forma fofa de demonstrar carinho. Mas para outros, isso vira fonte de especulação e obsessão. Tem quem passe horas analisando qualquer interação entre eles pra tentar provar o romance que criaram na cabeça, mesmo que os próprios idols neguem. Vídeos, fotos e momentos de fanservice acabam virando munição para essas discussões sem fim.
Outro exemplo é com o grupo EXO, com shipps como Chanbaek (Chanyeol e Baekhyun) e Kaisoo (Kai e D.O), que também geraram polêmicas e discussões tóxicas. O problema é que, às vezes, os fãs não se limitam aos idols, atacando suas famílias e amigos próximos. Esse comportamento coloca em risco a segurança e o bem-estar dos artistas.
E não para por aí. Grupos como Stray Kids, com o shipp Hyunlix (Hyunjin e Felix), e TXT, com Yeonbin (Yeonjun e Soobin), também sofrem com essas divisões nos fandoms. E, claro, os girl groups também não escapam. Jenlisa (Jennie e Lisa) do BLACKPINK e 2Yeon (Nayeon e Jeongyeon) do TWICE são shipps que sempre causam discussões acaloradas nas redes sociais.
Fanservice: amorzinho ou estratégia?
O fanservice — aquelas interações fofas e calculadas entre os idols — também tem uma grande parcela de culpa nisso. Muitas vezes, são as próprias empresas que incentivam os idols a terem esse tipo de comportamento, sabendo que isso vai agradar e alimentar a imaginação dos fãs. Mas o problema é quando o fanservice vira desculpa para os shippers forçarem narrativas que os próprios idols não querem carregar.
Quando o shipp vira obsessão
As fanwars que surgem por conta dos shipps podem parecer só brigas online, mas o impacto é muito mais profundo. Esses idols vivem sob um nível de controle que poucos de nós conseguimos imaginar. A pressão para agir de determinada forma, evitar certas interações ou não alimentar especulações exageradas acaba interferindo até nas amizades reais deles. Isso resulta em boicotes, ameaças de fãs e, em alguns casos, até situações perigosas.
Em 2021, por exemplo, Chanyeol, do EXO, foi alvo de rumores pesados sobre sua vida pessoal, e muitos acreditam que a toxicidade dentro do fandom contribuiu pra isso. Além disso, a saúde mental dos idols fica seriamente afetada. Fãs criam expectativas e fantasias irreais que podem gerar desconforto enorme para os artistas, que já vivem sob muita pressão numa indústria supercompetitiva. Com esses shipps ganhando mais força, o peso emocional sobre os idols só aumenta.
Fanwars e toxicidade nas redes
Tudo bem que shippar faz parte do fandom, mas as fanwars estão longe de algo saudável. Nos fóruns e redes sociais, as brigas entre os fãs que defendem casais diferentes tomam proporções gigantescas. Grupos de fãs atacam uns aos outros, espalham boatos e, nos piores casos, até invadem a privacidade dos idols e das pessoas próximas a eles.
Dentro do fandom do BTS, por exemplo, Taekookers e Jikookers vivem em pé de guerra, criando uma rivalidade que divide os fãs do grupo. Essa briga mancha a imagem do grupo e acaba afastando gente que só quer aproveitar a música sem toda essa bagunça.
E o problema é o mesmo em outros fandoms. No Stray Kids, Hyunlix vira motivo de treta, assim como Yeonbin no TXT. No fim das contas, essas fanwars esgotam a energia de quem só quer curtir o talento dos idols sem entrar em discussões sem sentido.
Onde acaba a brincadeira e começa a invasão?
A linha entre brincadeira e invasão de privacidade é muito tênue. De um lado, shippar pode ser uma forma de se divertir e se conectar com o fandom. Mas de outro, quando os fãs começam a acreditar que o shipp é real, a pressão sobre os idols só aumenta.
Com as redes sociais, a privacidade já é um luxo para esses artistas, e o impacto da cultura do shipp só piora isso. Quando os idols precisam evitar interações públicas para não alimentar especulações, é um sinal claro de que a coisa saiu do controle.
O papel do fandom
Os fãs têm um papel importante nesse cenário. São eles que apoiam seus idols, mas também são eles que podem pressioná-los demais. O ideal é ter bom senso e respeitar os limites, lembrando que idols são seres humanos que têm o direito de viver suas vidas sem a interferência constante de quem quer ver um shipp se realizar.
No K-pop, é normal ver interações fofas e amizades próximas entre os membros dos grupos. É isso que dá aquele toque especial que os fãs amam. Mas o respeito e a empatia precisam vir primeiro. Ser fã é, acima de tudo, torcer pela felicidade do ídolo, não tentar moldar essa felicidade de acordo com os próprios desejos.
Quando é hora de parar?
Ninguém está dizendo que shippar é ruim ou que não dá pra achar fofas as interações entre os idols. O K-pop, com sua cultura de fanservice, naturalmente alimenta essas fantasias. Mas é importante lembrar que existe uma diferença entre ficção e realidade. Idols são pessoas de verdade, com vidas fora das câmeras, e enquanto o shipp for só uma brincadeira saudável, tá tudo certo.
Mas se isso começa a interferir na vida pessoal dos artistas, gerar fanwars ou criar situações de estresse, é hora de repensar os limites. A privacidade e o bem-estar dos idols devem sempre vir em primeiro lugar.
Se o objetivo é apoiar nossos ídolos, respeitar suas escolhas e limites é o primeiro passo. Afinal, ser fã é muito mais do que criar fantasias — é entender, apoiar e torcer pela felicidade deles, do jeito que eles escolherem viver.
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Com 82 anos e ainda dominando os palcos, o eterno Beatle entrega shows emocionantes e visualmente impressionantes, cativando públicos de todas as idades com clássicos atemporais e uma produção impecável
Paul McCartney passou por São Paulo e Florianópolis na última semana, provando, mais uma vez, que sua música é eterna. Aos 82 anos, o músico continua a se apresentar com uma energia que desafia o tempo, entregando um show impecável, repleto de emoção e com momentos que fizeram o público vibrar. Mesmo sem grandes inovações no repertório, o espetáculo é envolvente do início ao fim, e quem esperava algo mais do mesmo foi surpreendido pela entrega e paixão deMcCartney.
Foto: divulgação/@marcoshermes
Um dos aspectos mais notáveis dessa turnê é comoPaul consegue manter uma performance vocal consistente. Sua voz, apesar de não ter a mesma potência de décadas atrás, continua emocionando, especialmente em canções mais lentas como Blackbird e My Valentine. McCartney ajusta as músicas para sua atual tessitura vocal de maneira inteligente, e isso permite que ele mantenha a qualidade musical sem perder a força emocional. É impressionante ver como ele navega entre músicas mais suaves e faixas mais explosivas, com a mesma energia e presença de palco.
O show também conta com momentos de pura interação com o público. Em várias ocasiões, McCartney faz pausas para conversar com a plateia, arrancando risos e aplausos ao se arriscar em algumas frases em português. Esse tipo de conexão cria uma atmosfera ainda mais calorosa, fazendo com que os espectadores sintam que estão participando de algo pessoal, mesmo em meio a um estádio lotado. O público responde com uma empolgação quase adolescente, seja nos gritos a cada clássico dos Beatles ou nos coros emocionados em músicas como Hey Jude.
E quando se trata de carisma, não é apenas Paul que brilha. Sua banda é uma extensão da energia vibrante que ele traz ao palco. Abe Laboriel Jr., na bateria, é um espetáculo à parte, entregando batidas poderosas que conduzem o ritmo com maestria, enquanto Brian Ray e Rusty Anderson, nas guitarras, criam uma sonoridade consistente que ecoa perfeitamente os grandes sucessos do passado. Juntos, eles têm uma química que faz com que o show flua de maneira suave e intensa ao mesmo tempo, elevando a experiência sonora para o público.
Foto: divulgação/@marcoshermes
Um dos momentos marcantes dessa turnê foi a inclusão de Now and Then, a última música dos Beatles, no setlist, que tocou fundo nos corações dos fãs. A música, porém, é apenas um detalhe em um show recheado de hits como Hey Jude, Let It Be e, claro, Live and Let Die, que levou a plateia ao delírio com explosões de fogos de artifício e um show pirotécnico de tirar o fôlego. As luzes, sincronizadas com precisão a cada nota, fizeram dessa uma das apresentações mais visualmente impactantes da turnê, criando cenários que iam do intimista ao grandioso.
A produção de palco é um espetáculo à parte. Os jogos de luzes, que dançam junto com as melodias, são cuidadosamente planejados, elevando o impacto de cada música. E, quando Live and Let Die começa, o show atinge outro nível. As explosões, os fogos e o barulho ensurdecedor do palco transformam o estádio em um mar de vibrações e pura adrenalina. É um daqueles momentos em que o público se rende completamente à grandiosidade do espetáculo.
Foto: divulgação/@marcoshermes
Aos 82 anos, Paul McCartney prova que idade é apenas um número. Ele impressiona com sua presença de palco, voz e paixão pela música. Mesmo sem grandes surpresas no setlist, McCartney oferece uma experiência emocional e visualmente rica que transcende o tempo. Seus shows celebram a música que uniu gerações, e sua performance deixa claro que, enquanto estiver no palco, sua arte jamais será uma fase.
Seja pelos clássicos que definiram o rock ou pela produção impecável que transforma cada música em um evento inesquecível, McCartney permanece atemporal, entregando uma experiência que toca a alma e fica no coração.
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O nacionalismo, a busca pela perfeição e o medo de fragilizar a imagem do país estão entre os principais motivos, mas será que isso revela uma Síndrome de Vira-lata na Coreia?
A cultura do K-pop é repleta de paixão e devoção, mas também apresenta um lado sombrio: a prática frequente de boicotes entre os fãs.
Apesar de serem conhecidos por seu apoio fervoroso, os fãs coreanos muitas vezes se tornam os principais críticos de seus idols, punindo-os ao menor deslize. Esse comportamento reflete uma dinâmica complexa que envolve orgulho nacional, pressão por perfeição e, em muitos casos, insegurança cultural. A pergunta que se impõe é: o que leva esses fãs a boicotarem aqueles que, supostamente, admiram?
Esse fenômeno é multifacetado e revela uma relação intrincada entre a cultura pop coreana e a identidade nacional. Em um contexto onde o K-pop se tornou um símbolo global da Coreia do Sul, a responsabilidade que os fãs sentem em proteger essa imagem pode levar a ações extremas.
Mas será que essa pressão para manter a pureza do K-pop não acaba gerando mais mal do que bem, não apenas para os idols, mas também para a própria cultura que se busca preservar?
O nacionalismo no K-pop: fãs coreanos como guardiões da cultura
O K-pop é uma das maiores fontes de orgulho nacional da Coreia do Sul, criando uma forte conexão entre os fãs coreanos e a imagem de seus idols.
Para muitos, os artistas do K-pop representam a cultura coreana no mundo, funcionando como embaixadores culturais. Por isso, quando um idol se envolve em uma polêmica ou comete um erro, os fãs sentem que isso também mancha a reputação do país. O boicote, nesses casos, é visto como uma forma de proteger a indústria e o que ela simboliza.
No entanto, esse senso de proteção pode se tornar uma faca de dois gumes. Ao exigir padrões impossíveis de perfeição, os próprios fãs acabam sufocando a liberdade de expressão e a individualidade dos artistas. Isso prejudica tanto o desenvolvimento pessoal dos idols quanto a diversidade dentro da indústria. Afinal, a cultura coreana não deveria ser representada apenas pela perfeição, mas também pela capacidade de se reinventar e de lidar com desafios.
Famosa black ocean de k-fans em show de k-pop | Foto: reprodução/soompi
Ser guardião da cultura é importante, mas até que ponto essa proteção extrema não se transforma em uma forma de censura? Os idols, como seres humanos, cometem erros, e isso deveria ser encarado como uma oportunidade de aprendizado, não como um motivo para punição imediata.
O nacionalismo é vital para manter viva a identidade cultural, mas os boicotes não são o caminho certo para resolver esses problemas.
Além disso, o K-pop, como produto cultural global, está sob constante observação do público internacional. Quando os fãs coreanos boicotam seus próprios artistas, isso também afeta a forma como o K-pop é visto no exterior, criando uma imagem de uma indústria rígida e punitiva, que não permite falhas. Isso pode enfraquecer o orgulho que os fãs tentam proteger.
Cultura da perfeição: por que o menor deslize é imperdoável?
Na sociedade coreana, a busca pela perfeição é uma característica marcante, e, no K-pop, essa demanda é ainda mais intensa. Os idols são moldados para serem exemplos de trabalho árduo, conduta impecável e aparência perfeita. Qualquer falha – mesmo que pequena – pode ser vista como uma ameaça a essa imagem idealizada, gerando reações exageradas e, muitas vezes, cruéis por parte dos fãs.
Essa cultura de perfeição coloca uma pressão absurda nos artistas, que se veem obrigados a manter uma fachada inatingível. Essa exigência excessiva não é saudável nem para os idols, nem para os fãs. A ideia de que um erro deve ser punido com um boicote ignora a realidade de que todos cometem erros e que o crescimento pessoal e profissional vem da capacidade de superá-los.
Ao invés de apoiar os idols em momentos difíceis, os fãs que os boicotam estão contribuindo para a criação de um ambiente tóxico, onde qualquer deslize pode destruir uma carreira inteira.
Essa cultura cria um ciclo de medo, onde os idols têm receio de serem autênticos e os fãs têm medo de verem seus ídolos falharem. Isso sufoca a criatividade e a liberdade de expressão, transformando o K-pop em uma máquina de produzir perfeição artificial, em vez de promover a evolução artística e pessoal. Quando os fãs boicotam seus próprios artistas, eles estão, na verdade, perpetuando um sistema que não permite o crescimento e o aprendizado por meio dos erros.
O K-pop é uma indústria que cresceu graças à sua capacidade de conectar pessoas ao redor do mundo com músicas e performances cativantes. Mas essa conexão emocional perde sua força quando os fãs se tornam algozes, prontos para punir ao invés de apoiar. Ser fã não significa ignorar erros, mas sim oferecer suporte para que os artistas aprendam com eles e continuem a evoluir.
Casos de boicotes por relacionamentos: Baekhyun & Taeyeon, Jennie & Kai, HyunA & DAWN
Exemplos de boicotes devido a relacionamentos amorosos incluem os casos de Baekhyun (EXO) e Taeyeon (Girls’ Generation), Jennie (BLACKPINK) e Kai (EXO), e HyunA e DAWN.
BaekhyuneTaeyeon, em 2014, enfrentaram uma onda de críticas e boicotes após confirmarem seu relacionamento, com muitos fãs se sentindo traídos. O mesmo ocorreu com Jennie e Kai, em 2019, onde os fãs criticaram a falta de foco na carreira, resultando em uma pressão imensa sobre os dois artistas.
O caso de HyunAeDAWN foi ainda mais grave. O casal, ao tornar público seu relacionamento, enfrentou uma reação negativa tão forte que ambos foram afastados da Cube Entertainment, mostrando como a pressão dos fãs pode ter consequências reais na vida e carreira dos idols.
Esse padrão reflete uma mentalidade de que os idols devem se abster de vida pessoal para preservar a imagem que os fãs têm deles, algo que sufoca a autenticidade e o crescimento pessoal dos artistas.
A Síndrome de Vira-lata dos fãs coreanos
A Síndrome de Vira-lata é um conceito que descreve o complexo de inferioridade de uma cultura em relação a outras, e, no caso do K-pop, o boicote pode ser um reflexo disso.
Quando os fãs coreanos exigem perfeição absoluta de seus idols, talvez estejam, de certa forma, tentando garantir que o K-pop continue sendo visto como um produto impecável no cenário global. Mas essa necessidade de perfeição pode, na verdade, revelar uma insegurança em relação ao real valor do K-pop e sua força cultural.
Essa insegurança leva à prática de boicotes, como se os erros dos idols pudessem ameaçar o prestígio da Coreia do Sul no mundo. Mas o que os fãs talvez não percebam é que a cultura forte e vibrante de um país não depende da perfeição de seus representantes, mas sim da sua capacidade de abraçar a diversidade e de crescer a partir das falhas.
Ao insistir em punir qualquer deslize, os fãs estão, na verdade, contribuindo para a criação de um ambiente de repressão, onde não há espaço para autenticidade e evolução. Os idols não são máquinas perfeitas, e o K-pop só tem a perder quando os artistas são impedidos de serem humanos.
O caso de Seunghan (ex-RIIZE)
Um exemplo recente e emblemático da cultura de boicotes no K-pop é o caso de Seunghan, ex-integrante do grupo RIIZE. Após o vazamento de fotos comprometedoras, os fãs coreanos rapidamente organizaram um boicote pedindo sua saída do grupo, o que acabou acontecendo após meses de afastamento.
Esse episódio é mais uma prova de como um único erro pode custar a carreira de um idol, mesmo que ele esteja apenas no início de sua trajetória.
‘Fãs’ enviam corroa fúnebre pedindo a saída de Seunghan do RIIZE | Foto: reprodução/soompi
Se os fãs realmente se preocupam com o bem-estar dos idols e com o futuro do K-pop, é hora de repensar essa cultura de boicotes.O K-pop só tem a ganhar quando os artistas se sentem seguros para serem humanos, autênticos e imperfeitos.
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Hybe Cine Fest chega exclusivamente aos cinemas Cinépolis em toda a América Latina, de 14 a 20 de novembro!
Prepare-se para uma imersão no universo do K-pop! De 14 a 20 de novembro, o Hybe Cine Fest chega exclusivamente aos 56 cinemas Cinépolis de todo o Brasil, com apresentações épicas de BTS, SEVENTEEN, TXT, ENHYPEN e outros ícones. É a chance de viver as performances e se conectar com seu fandom favorito.
Promoção especial para fãs
A pré-venda de ingressos já está aberta! Compre 3 ingressos e ganhe 10% de desconto em cada um, ou garanta 6 ingressos com 20% de desconto! Promoção válida para compras feitas presencialmente nas bilheterias.
K-pop nas telonas
Mais que cinema, o festival será um ponto de encontro para ARMYs, CARATs, MOAs, ENGENEs e todos os fandoms apaixonados. É a sua chance de sentir a energia do K-pop como nunca antes.
Foto: divulgação/TZM
Confira os destaques do Hybe Cine Fest in Latam: uma semana de K-pop nas telonas da Cinépolis!
BTS MAP OF THE SOUL ON
Reviva o icônico show online de outubro de 2020, onde o BTS reuniu ARMYs do mundo todo com músicas dos álbuns MAP OF THE SOUL: PERSONA e MAP OF THE SOUL: 7. Prepare-se para uma experiência visual e sonora única no cinema.
SEVENTEEN WORLD TOUR [BE THE SUN] O SEVENTEEN traz a energia de sua turnê mundial BE THE SUN, com shows eletrizantes em palcos icônicos, como o Tokyo Dome e a Philippine Arena. Agora, essa experiência memorável chega à Cinépolis.
TOMORROW X TOGETHER WORLD TOUR [ACT: SWEET MIRAGE] MOAs poderão reviver a segunda turnê mundial do TXT, ACT: SWEET MIRAGE, uma mistura de emoção e criatividade que dominou 2023. Um show doce e intenso nas telas da Cinépolis.
ENHYPEN WORLD TOUR [FATE] Para os fãs de ENHYPEN, a turnê FATE promete trazer a potência das coreografias e vozes do grupo, que conquistou o mundo do K-pop, agora em formato cinematográfico.
2023 Weverse Con Festival Em junho, estrelas da Hybe como ZICO, TXT, ENHYPEN, LE SSERAFIM e BOYNEXTDOOR se uniram no 2023 Weverse Con Festival. Agora, o evento chega ao cinema, para você aproveitar cada performance em alta definição.
HYBE CINEMA NORAEBANG Pronto para cantar junto com seus idols? O HYBE CINEMA NORAEBANG traz uma experiência interativa inspirada nos famosos noraebangs coreanos, onde você pode soltar a voz com hits de SEVENTEEN, TXT, ENHYPEN e mais, transformando o cinema numa verdadeira festa K-pop!
Quem ai vai correndo garantir os ingressos? Conte pra gente e nos siga nas redes sociais do Entretetizei — Facebook, Instagram e X — para mais novidades sobre a cultura asiática.
Eles deveriam ser o amor da sua vida, mas acabaram se tornando um verdadeiro pesadelo
As séries estão cheias de romances, mas nem todo mundo é um príncipe encantado. Alguns namorados são tão problemáticos que dá vontade de gritar!
Seja por traição, egoísmo ou aquele comportamento tóxico, esses caras definitivamente não merecem o título de melhor companheiro. Então, se prepare para conhecer os namorados que mais causam dor de cabeça:
Chuck Bass (Gossip Girl, 2007-2012)
Chuck Bass é o bad boy charmoso de Gossip Girl, mas, vamos ser sinceros: ele é um desastre como namorado. Ele faz um monte de promessas de mudança, mas no fundo é só manipulação e drama. Ao invés de ser aquele apoio que a Blair precisa, ele só a faz se sentir insegura, como se estivesse sempre no banco de reservas.
E não para por aí! O cara é super possessivo e não sabe lidar com a liberdade da Blair. Em vez de incentivá-la, ele quer controlá-la, e isso só gera mais brigas. O relacionamento deles parece mais um jogo de gato e rato, jamais um amor saudável.
No final das contas, Chuck é aquele namorado que tem suas qualidades, mas suas inseguranças e comportamentos egoístas fazem com que a Blair sofra. Ela merece muito mais do que essa montanha-russa de emoções que ele proporciona.
Lucas Scott (One Tree Hill, 2003-2012)
Lucas Scott é o típico protagonista que todo mundo ama, mas, como namorado, ele faz várias besteiras em One Tree Hill. O relacionamento dele com a Peyton é uma bagunça total, cheio de traições e ciúmes. Ele sempre fica em cima do muro entre suas ex e a atual, deixando a Peyton na bad.
E quando rolam conflitos, Lucas simplesmente se afasta ao invés de encarar a situação. Isso faz com que Peyton se sinta super sozinha, como se tivesse que resolver tudo desamparada. Ao invés de ser o namorado que a apoia, ele vira o tipo que só traz problemas.
No fim, Lucas pode até ser um cara legal, mas ele nunca consegue ser o parceiro que a Peyton precisa. A relação deles acaba sendo cheia de dúvidas e inseguranças, e isso não é nada legal.
Jesse St. James (Glee, 2009-2015)
Jesse St. James é aquele namorado que chega em Glee como o príncipe encantado, mas logo se revela um manipulador. Ele encanta a Rachel, mas depois demonstra ser um cara que joga com os sentimentos dela. É como se ele estivesse mais preocupado em se mostrar do que realmente amar.
E não dá pra esquecer que ele critica a Rachel constantemente, fazendo com que ela se sinta insegura sobre suas habilidades. Ao invés de apoiar, ele só quer ser o melhor, e isso transforma o relacionamento em um verdadeiro campo de batalha emocional.
No final, Jesse é o tipo de namorado que parece incrível, mas sua manipulação emocional e egoísmo só deixam a Rachel confusa. Esse amor, que deveria ser lindo, acaba virando um pesadelo.
Tyler Lockwood (The Vampire Diaries, 2009-2017)
Tyler Lockwood é um dos personagens mais complicados de The Vampire Diaries. Ele e a Caroline têm um relacionamento cheio de drama, e Tyler não consegue lidar bem com seus próprios demônios. Em vez de apoiar a Caroline, ele deixa as suas inseguranças falarem mais alto, o que torna tudo tenso.
Além disso, o cara pode ser bem impulsivo, e até agressivo. Isso faz com que Caroline se sinta presa e insegura, já que ele não consegue lidar com os sentimentos dela de forma saudável. O relacionamento deles parece mais uma montanha-russa de emoções, não um amor estável.
No final, apesar de amar a Caroline, Tyler não consegue superar suas próprias inseguranças, e isso só cria um ambiente instável. Ele tem suas qualidades, mas, no fundo, não é o namorado que a Caroline merece.
Dean Forester (Gilmore Girls, 2000-2007)
Dean Forester pode ter sido o primeiro amor da Rory em Gilmore Girls, mas seu comportamento de namorado é bem problemático. No começo, ele parece ser o cara perfeito, mas logo se transforma em alguém possessivo e ciumento.
Ao invés de apoiar a Rory, ele tenta moldá-la, e isso só gera conflitos entre eles.
A necessidade de controle de Dean acaba deixando a Rory se sentindo presa em um relacionamento que deveria ser de crescimento mútuo. Quando a Rory quer seguir seus sonhos, ele não consegue lidar e acaba colocando suas inseguranças acima das dela. Isso só faz o relacionamento deles se deteriorar.
No final, Dean pode ser um cara legal, mas sua possessividade e ciúmes só trazem dor de cabeça. Embora ele tenha seus momentos, ele não é o namorado que a Rory realmente precisa.
Finn Hudson (Glee, 2009-2015)
Finn Hudson é um dos personagens principais de Glee, no entanto, como namorado, ele pode ser bem frustrante. Ele tenta ser legal e gentil, mas sempre parece hesitar quando o assunto é compromisso. Quando se vê em apuros, ao invés de enfrentar a situação, acaba se afastando e deixa a Rachel se sentindo super sozinha.
Quando rolam problemas, Finn simplesmente não sabe como lidar, e isso acaba resultando em desentendimentos. Ele é um cara bom, mas sua falta de clareza sobre seus sentimentos deixa a Rachel em dúvida, o que não é nada divertido.
No fim, Finn é aquele namorado que realmente ama, mas suas inseguranças e falta de comunicação dificultam a construção de um relacionamento sólido. O que deveria ser um romance incrível acaba se tornando um ciclo de incertezas.
Nick Miller (New Girl, 2011-2018)
Nick Miller é um dos personagens mais engraçados de New Girl, porém, como namorado, ele não é exatamente um exemplo. Ele é carismático, mas tem um grande problema: não consegue se abrir emocionalmente. Isso acaba criando barreiras entre ele e a Jess. Embora tenha um bom coração, Nick deixa suas inseguranças falarem mais alto, fazendo com que Jess se sinta desvalorizada.
Quando as coisas ficam difíceis, ao invés de apoiar, Nick recua. Ele acaba deixando Jess na bad, e isso só gera frustração. O relacionamento deles deveria ser uma parceria, mas muitas vezes parece mais uma luta para ver quem se machuca mais.
No final, Nick pode ser super divertido, mas suas inseguranças o impedem de ser o namorado que Jess merece. O que deveria ser um amor leve acaba se tornando uma montanha-russa emocional, cheia de altos e baixos.
Barry Allen (The Flash, 2014-2023)
Barry Allen, o herói de The Flash, pode salvar o dia, mas quando se trata de seu relacionamento com Iris West, as coisas ficam complicadas. Ele tenta proteger Iris de tudo, mas isso só cria barreiras entre eles. Ao invés de ter um relacionamento saudável, Barry acaba se tornando super protetor, o que gera desconfiança.
Além disso, Barry não consegue se abrir completamente sobre seus medos e sentimentos. Isso só deixa a Iris se sentindo insegura e afastada. Em vez de construir um relacionamento forte, eles acabam lutando contra as incertezas que Barry mesmo cria.
No final, Barry realmente ama Iris, mas suas inseguranças e o estresse de ser um super-herói dificultam as coisas. Embora ele tenha boas intenções, acaba se tornando um namorado que deixa Iris se sentindo mais como uma prioridade do que uma parceira igual.
Dan Humphrey (Gossip Girl, 2007-2012)
Dan Humphrey, o Garoto do Brooklyn, pode parecer o romântico da história em Gossip Girl, mas ele tem suas questões. No início, Dan parece ser o sonho de qualquer garota: inteligente, sensível e cheio de boas intenções. Mas, à medida que a série avança, fica claro que ele tem um lado meio egoísta que deixa muito a desejar.
Dan é aquele cara que se apaixonou por uma das garotas mais populares, a Serena, mas ao mesmo tempo se coloca em situações super complicadas. Ele tem essa tendência de se sentir superior aos outros, especialmente aos ricos e esnobes da Upper East Side.
Aí já viu, né? Ele acaba se metendo em relacionamentos por motivos errados e sempre tem essa vibe de olha como eu sou diferente. Isso só gera conflito com as garotas que ele diz amar.
E não dá pra esquecer o drama que ele cria ao escrever sobre a vida dos amigos no blog da Gossip Girl. Ele se acha o artista rebelde, mas isso é pura traição.
Enquanto tenta ser o cara legal, ele sempre está jogando as informações que coletou em segredo. No fim das contas, Dan pode ser carismático, mas sua necessidade de se destacar e sua falta de sinceridade tornam seu papel de namorado bem questionável.
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Após um ano e meio de serviço militar obrigatório, o sol finalmente voltará a brilhar!
Já pode chamar o Namjoon e pedir pra que ele traga o sax, porque o solzinho está finalmente voltando pra casa! Na noite de hoje (16), J-Hope, membro do BTS, será finalmente dispensado do serviço militar obrigatório.
A dispensa poderá ser assistida em canais do YouTube, como o da Dispatch, e tudo indica que os membros do boy group estarão lá para recebê-lo, assim como quando o Jin foi liberado.
Em nota divulgada há dois dias, a BIGHIT MUSIC falou um pouco sobre a dispensa:
“Olá. Aqui é a BIGHIT MUSIC.
Estamos empolgados em trazer a notícia da iminente dispensa militar de J-Hope.
J-Hope está perto de completar seu serviço ativo no exército e em breve será dispensado.
O dia da dispensa é compartilhado por muitos militares. Não há eventos especiais planejados para o dia da dispensa de J-Hope. Para evitar quaisquer problemas devido à superlotação, aconselhamos fortemente aos fãs que não visitem o local. Por favor, transmitam suas calorosas saudações e encorajamento por meio dos seus corações.
Somos sempre gratos pelo seu amor e apoio inabaláveis a J-Hope. Nossa empresa continuará se esforçando ao máximo para apoiar nossos artistas.
Agradecemos mais uma vez por seu amor e apoio contínuos ao BTS.”
Foto: reprodução/allkpop
J-Hope será o segundo membro do BTS a ser dispensado do serviço militar, e os demais membros só conseguirão a dispensa em 2025. RM e V sairão dia 10 de junho, Jimin e Jungkook sairão dia 11 de junho, e Suga, dia 21 de junho.
Quem aí tava com saudade do solzinho? Conte pra gente e nos siga nas redes sociais do Entretetizei — Facebook, Instagram e Bluesky — para mais novidades sobre a cultura asiática.
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